——对绘画的借鉴

图、文／陈长芬

    对美的向往，是人类的天性。而在美的领域内，绘画占有很重要的地位，无论从它的起源，还是从它的发展看、它在人类的历史文化上都起着重要的作用。

    我们知道，摄影术的发明人达盖尔是一名画家；而摄影术发明后一段时间的摄影作品也大都是对绘画的摹仿。在当时，摄影作品中以绘画的本体语言为多。比如当时的人物摄影作品与油画肖像作品就没有多大区别。其后的在照片中进行的人物组合，以及有关布局、光线的运用，都没有脱离开绘画的模式。一直到今天，绘画与摄影都有着密切的联系。所以，今天我们来讨论摄影艺术的时候，如果要完全离开绘画也不太可能。

    今年是哈苏相机诞生50周年。为此，哈苏公司开展了各种纪念活动，其中有一项规模很大的摄影比赛，就是要求摄影作品的表现形式以世界著名绘画大师的风范为准则。我并不以为这种形式是当代摄影艺术的什么导向，但它似乎可以说明摄影与绘画在今天依然有着某种特殊的密切联系。也许可以风趣地说：160前的那个绘画的幽灵一直缠绕在摄影的身旁。

    当然，我们现在需要更多地弘扬摄影的本体语言、但同时我们也要从绘画艺术中吸收丰富的营养。这之间并不矛盾，因为绘画有着几千年的历史，绘画所给予人类的影响是极其深刻的。摄影毕竟年轻得多，比起绘画的历史，它要晚上若干个世纪。所以，摄影从绘画中吸收营养是必不可少的。当然，吸收并不等于照抄、照搬。摹仿作为一种尝试、一种练习是完全必要的，但在科技发达的今天，在艺术创作时仍然一味去摹仿，我认为也是没有出路的。

    摄影艺术可以借鉴绘画，但借鉴什么?我认为什么都可以借鉴，关键是你怎么去借鉴，借鉴多少，借鉴到什么程度，这需由每个人自己去把握。在对绘画的借鉴中，我们可以从很多画种中学到很多东西。

    对于油画，可借鉴的东西就相当多了。从中国风光摄影的发展中能够明显地看到这一点。油画的特点。一个是厚重，油彩有一种与生俱来立体容积感；二是对光线变化的把握，比如人们所公认的伦勃朗用光。在高光、立体光和逆光的应用上是令人称道的。我去卢浮宫时所看到的那些名画、曾给我很多启示。中国的风光摄影创作，有一段时间，顺光、侧光运用得多，逆光、高光相对运用得少，那可能是受过时的教科材料指导所致。研究一下近十年的中国风光摄影，如果说有什么突破的话，除了对题材的拓宽外、很重要的一点就是在画面中重视了对高光和逆光的运用，从而使作品产生一定的厚重感和立体感。实际上，对于光影效果的表现，摄影可以做得比绘画更好，因为摄影对光影的表达更加来得直接。

    我们可以一目了然地从摄影的色调分离法中看出版画的效果。色调分离所产生的浮雕效果，对摄影来说，现在很简单，运用电脑，按一下键盘就轻而易举地解决问题。色调分离，实际上就是筛减了很多过渡的层次，把画面变成色块和线条的相加。

贵州一些作者在照片‘上运用刀刻，这实际上是对木刻艺术的借鉴。

    这都属于表现手法和创作方法的问题，我认为这些创作方法一定要和欲表达的内容相匹配，否则就可能产生一些风马牛不相及的东西。当然，对超写实、荒诞等风格的作品，我不敢尝试，我也从不排斥。

    中国写意山水画对云雾的表现非常巧妙，画中的空白，有时就可被看作云雾，表现得非常抽象，非常的淋漓尽致。写意画，在创作中，作者的手法很灵活，可以完全借助于情绪，在绘画过程中，其笔法随着情绪的变化而变化，灵活性相当大，所以画中的抽象成份也随之增大。不知读者是否注意到，在我的一些照片中留有大块地黑，这就是一种对中国画的借鉴。中国画讲究留自，但你若想自己的照片有重量感，就需要留黑。摄影在其整个过程中，从生产到曝光，到冲洗，到放大制作，是在黑暗中进行的。所以。我认为“黑”是一种艺术语言。绘画艺术恰恰相反，是在一张自纸上作画。我认为，我的这一借鉴是一种相反的借鉴。

    在摄影对中国画的借鉴中。曾出现两种风格。一种是以郎静山为代表的集锦式摄影作品另一种是采用签名盖章、落款题词、做待的做法。对于后一种做法、我们承认确实有一些好的作品出现，但不可否认的是、这种做法也误导了不少人。我第一张发表的处女作《荷花》，就是以摹仿齐白石的国画形式表达的。至今回想起来，二十多年前的这幅作品并不可笑、这是自己在起步阶段、作为习作拍摄的。但随着时间的推移，我们不能总陶醉在习作或摹仿之中，我们需要寻找更多的创作方法和创作题材，找到自己的路子。我看到过很多大画家的习作，比如李可染、徐悲鸿、刘海粟、吴作人等人的……其中还包括大量临摹的东西。临摹，是创作过程的一个必须经过的阶段。摄影在开始阶段需要去摹仿，但不能把摹仿和习作都当成自己的创作，摹仿的东西从根本上说是属于他人而可不属于自己的，而自己的东西是必须输入自己的情绪、自己的观念、自己的思维的。这就是艺术的价值之所在。我们说,通过临摹和习作这样一个必然的王国，摄影师才能真正进入到创作这样一个自由的王国。

    中国画的签名盖章做法。用在摄影作品中。我认为是可以的。但必须用得恰到好处。不能在任何情况下都用。也不能随意在照片上题字。如果把书法也当作一门艺术的话。这时所题的字和照片才有可能相得益彰，否则。就可能什么都不是。闹出笑话。当我们玩—种现代艺术的时候，我们要先自问一下。我们自己是否具备这种艺术功力。这是一个值得每位投身艺术的人思考的问题。所以，我认为如果要谈艺术，首先需要谈的是艺术的严肃性。也就是说，我们在提倡借鉴时。我们也必须有一个严肃的态度。

    关于流派的问题，我也想说一点。如果一个人拍了一两张作品。相似于绘画上的某某流派，我们就匆匆把它定为该流派、我认为是很不严肃的。这有碍于摄影的发展。使我们摄影很难成长起来。八十年代有人要把我定义为什么流派、我就坚决反对。在当今艺术的发展中、不过多的去谈流派我认为是很好的。流派，在绘画方面是从文艺复兴后到十九世纪，再到二十世纪谈的比较多；摄影只有一百多年的历史，我们也分那么多的流派，我认为不是很科学的，会使流派的语言趋向平淡。盲目地追求某种流派，也会耽误一些人，耽误了我们对影本体语言的理解。流派问题不是不可以谈，但过早地把自己置于其中，就可能误导自己。

    我要说，近年来我们的摄影圈子里又多了几只“狼”。就是从绘画、从美术界有一些没有经过专门摄影训练的人，进入到摄影圈子里，并且取得了很好的成绩，我把这些人称作“狼”。他们对我们这些拿照相机多年的人来说，会带来很好的促进作用，把摄影圈子里在创作上的一潭死水、一种语言、一种模式，变得丰富多样，使我们意识到还有另外的一个崭新的世界存在。它给我们以冲击，给我们增加新的营养，产生新的思考，甚至于产生新的危机感。这些“狼”既有学绘画的，也有从事工艺美术的、平面设计的、雕塑的，甚至园林艺术的。

    所以，我们不要把摄影汉当作一门孤立的、与外界没有联系的艺术，它有它自身的本体语言，但它又与外界有着千丝万缕的关系。

    当然，借鉴是相互的。由于摄影本体语言的发展，摄影表现手法更显多样，绘画也在不断向摄影借鉴。借鉴的目的是什么?根本还是要发扬和光大，艺术是个人行为，最终还是要体现个性。个性的凸显，才有可能实现摄影创作上的多样化。